jueves, 19 de diciembre de 2013

Obra Gráfica Original ARTENCUENTRO te desea FELIZ NAVIDAD



Desde ARTENCUENTRO, un año más os deseamos lo mejor para estas Fiestas y el año que pronto nacerá.

Y para que podáis regalar 'un poco de color' a los vuestros, hacemos el 20% de descuento hasta el 15/01/2014.

Nuestra especialidad es la Obra Gráfica Original en Serigrafía y el Taller está dirigido por un veterano editor con más de cuarenta años de experiencia, José Jiménez -que ha trabajado con los principales artistas nacionales.

Nuestra seña de identidad: la calidad y un trabajo artesano, en el que artista y editor trabajan de la mano, el artista prepara 'a mano' los positivos de cada color y juega con las calidades de la técnica con el apoyo de el veterano maestro, José Jiménez.

Y a los que queráis seguirnos, estamos en Twitter (con noticias sobre Arte): @artencuentro
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FELIZ NAVIDAD 
desde
ARTENCUENTRO

viernes, 25 de octubre de 2013

CENOTES de Magdalena Atria en Matadero

Hasta el cinco de enero se puede disfrutar de esta exposición, Cenotes,  de Magdalena Atria en la Sala Matadero de Madrid, Plaza de Legazpi, 8.

Cenotes, Matadero, Madrid

Los cenotes son formaciones geológicas típicas de la Península de Yucatán. La roca caliza es erosionada por los agentes meteorológicos y el agua subterránea, forman pozos que se comunican entre sí.  Comienza siendo una cámara subterránea producida por la disolución de la roca caliza por la infiltración del agua de lluvia; y finalmente, conforme la cavidad va aumentando de tamaño, el cenote puede terminar aflorando a la superficie por colapso de la cúpula -apreciándose desde la superficie como un pozo de forma circular o subcircular-. En el interior, se pueden formar estalactitas y estalacmitas.

 
Para los Mayas tenían un significado místico, siendo 'fuentes de vida', que proporcionaban el líquido vital. El agua de los 'cenotes' era considerada 'pura', porque no había sido tocada por la luz.

El nombre Maya es Dzonot,que significa pozo profundo, hoyo en el suelo, pozo con agua, abismo -según los diferentes autores- y según estos pobladores de Yucatán, comunicaban el mundo terrenal con el de ultratumba -por lo que en algunos 'celotes' celebraban ritos religiosos con ofrendas.

Magdalena Atria, artista de origen chileno, desarrolla esta obra - intervención se puede inscribir entre la abstracción, Op Art (optical art), psicodelia, geometría de brillantes colores-, empleando plastilina. 

La intervención se ha desarrollado en la antigua 'cámara frigorífica', con la colaborado alumnos de Bellas Artes de la UNED.



Magdalena Atria nació en Santiago de Chile donde actualmente vive y trabaja. Licenciada en Arte por la Universidad Católica de Chile, completó su formación en Parsons School of Design, Nueva York gracias a un beca Fulbright. Su trabajo ha sido expuesto en importantes museos, centros de arte y galerías tanto en Chile como en Estados Unidos,  México, Brasil, Argentina, Ecuador, España, Inglaterra, Francia y Corea del Sur.

miércoles, 9 de octubre de 2013

Luis Gordillo recibe premio de serigrafía, con una edición realizada en el Taller de José Jiménez

El prestigioso artista de origen sevillano afincado en Madrid, Luis Gordillo, recibe el Premio Internacional de Serigrafía Villa de Torre Pacheco por la obra editada en el Taller de José Jiménez (La Ermita).

El Premio Internacional de Serigrafía otorgado al artista, está dotado con 12.000€ ; y fue presentado en la Sede de Obra Social de Caja Murcia en Madrid, en presencia de personalidades relacionadas con arte y cultura de Murcia, Madrid y Gobierno Central.

Entrega del Premio en la Sede de Obra Social de Caja Murcia en Madrid en octubre 2013


 


Obra Gráfica Original en Serigrafía editada cuarenta tintas sobre papel Arches 400gr.


 Esta impresionante obra de grandes dimensiones (160x120 cm), editada a 40 tintas sobre papel Arches de 400gr. fue editada por el artista de la mano del veterano maestro José Jiménez -que lleva desde los años sesenta trabajando con los artistas más prestigiosos del panorama nacional-.
Luis Gordillo (izquierda) y José Jiménez, editor (derecha)
El artista numerando y firmando la serigrafía.
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miércoles, 11 de septiembre de 2013

Eduardo Arroyo y el Festival Cante de las Minas de La Unión

Son ya cinco años realizando una pequeña edición para el Festival del Cante de Las Minas de La Unión.

Cada año un gran artista realiza una obra, que protagonizará el cartel de presentación de esa edición del Festival; y además se edita una pequeña tirada para 'regalo institucional' en una técnica de Obra Gráfica, que será numerada y firmada por el artista.

El Taller, dirigido por el veterano maestro Pepe Jiménez, comenzó en 2009 a editar estas series limitadas, con una obra de Manolo Valdés. Siguió, en 2010 una obra de Martín Chirino. En 2011, fue Pedro Cano el Protagonista. El año pasado, Luis Gordillo; y este 2013, ha sido Eduardo Arroyo el artista invitado a formar parte de esta colección del Festival.



La obra de Eduardo Arroyo representa la cabeza de un cantaor de Flamenco.





Eduardo Arroyo, el protagonista del cartel de esta edición del Festival, nació en Madrid en 1937. 

Considerado uno de los principales representantes de la figuración crítica de contenido político y social -Figuration Narrative según otros-, estudió periodismo y, en 1957, se traslada a París en busca de un espíritu progresista -y allí residió dos décadas-.

 La figuración narrativa es un estilo pictórico y un movimiento artístico aparecido al comienzo de los años 1960 en Francia, en oposición a la abstracción y al Nuevo realismo (nouveau réalisme). Se relaciona generalmente a la figuración narrativa con la nueva figuración o con el pop art. Entre sus fuentes de inspiración se cuenta la historieta, la fotografía y el conjunto de las imágenes de lo cotidiano. Los temas de las obras se relacionan generalmente con las escenas de lo cotidiano y las reivindicaciones sociales o políticas.

En el año 1961 tiene lugar la primera exposición colectiva de Arroyo con el título Nueva Figuración, y al año siguiente, se expone la colectiva de título Nueva Figuración II, con la intervención, entre otros, de Francis Bacon, Matta y Dubuffet.

En 1963 expone en la III Bienal de París, formando parte del grupo L’Abbatoir (el matadero), en la exposición se podía ver un montaje de pinturas y esculturas que conformaban un alegato contra el totalitarismo, la tortura y toda forma de represión física e ideológica.

En 1965 tiene lugar la exposición con el título La figuración narrativa en el arte contemporáneo, donde Arroyo presenta la bomba de relojería titulada El final trágico de Marcel Duchamp. Es una exposición conjunta de Arroyo con Gilles Aillaud y Antonio Recalcati.

 En 1967 exhibió Miró refair ou les malheurs de la coexistence, como crítica al ataque que sufrió Miró, a quien Arroyo admiraba profundamente.

En 1975 Arroyo en invitado a pasar nueve meses en Berlín, pintando en la Academia de Bellas Artes.
 
En 1982 el centro Georges Pompidou, de París, le dedicó una gran exposición retrospectiva y ese mismo año el gobierno español le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas.

 Eduardo Arroyo es sobre todo un artista polifacético. Es autor de varios volúmenes, entre ellos, la biografía Panama Al Brown; el libro de reflexiones Sardinas en aceite; El Trío Calaveras, dedicado a Goya, Walter Benjamin y Byron, y de la pieza de teatro Bantam. Desde 1969 colabora con directores escénicos, especialmente con Klaus Michael Grüber, en la realización de decorados de teatro que proceden de la estética elaborada en la obra plástica.

Arroyo cuenta actualmente con presencia en muchos importantes centros de arte mundiales.
El reconocimiento de su obra se hace patente con el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura (1982) o el título de Caballero de las Artes y las Letras concedido por el gobierno francés y en las numerosas retrospectivas de su obra como las celebradas en la Biblioteca Nacional de Madrid, en el Centro Pompidou de París o la del Museo Guggeheim de Nueva York.


Arroyo y el Retrato, El Pais Cultura

Biografía de Eduardo Arroyo

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lunes, 8 de julio de 2013

Shirin Nestat en Fundacion Telefonica

La artista de origen iraní Shirin Nestat expone su obra en fotografía titulada  'Escrito sobre el cuerpo', como parte del programa PHE 2013, Photo España; que este año lleva el título 'Tu Cuerpo es el Mensaje' -el cuerpo, eros y políticas, el cuerpo como 'campo de batalla, como indica el comisario Gral. de PHE 2013, Gerardo Mosquera-.

'Escrito sobre el cuerpo' fue inaugurada el 6 de junio y puede disfrutarse en la Fundación Telefónica hasta el 1 de septiembre -Calle Gran Vía 28 (entrada por Fuencarral), Madrid-.

Según indica el Comisario de la exposición, Octavio Zaya, se trata de una selección que subraya el velo y los textos sobre el cuerpo -la incripción histórica, el cuerpo como poesía y medio para transmitir.

La exposición, según la artista, tiene un hilo conductor: 'tras cada acontecimiento histórico surge un grupo diferente', mostrando una visión de la historia moderna de Irán; y combinando sus primeros trabajos -fotografía en blanco y negro de la Mujer iraní, tratando temas de identidad y género-, imágenes de la película 'Woman withouth men' -que cuenta pretende relatar historias- y 'The book of kings' -que trata la historia Iraní-.



Shirin Neshat (1957, Qazvin, Irán), vive y trabaja en EE.UU. desde 1974. Ha realizado exposiciones individuales en centros de arte y museos  por todo el mundo, como el Museo de Arte Moderno de México DF, el Contemporary Arts Museum de Houston, el Walker Art Center de Minneapolis, el Espoo Museum of  Modern Art (Finlandia), el Castello di Rivoli en Turín, el Dallas Museum of Art, el Wexner Center de Columbia (Ohio), el Art Institute of Chicago, la Serpentine Gallery de Londres, el MUSAC de León o el Hamburger Bahnhof de Berlín. Neshat también ha participado en la Documenta 11 (2002), la Bienal de Whitney (2000) y en 1999 ganó el León de Oro de la XLVIII Bienal de Venecia. En el 2009 fue galardonada con el León de Plata a la mejor dirección de la Mostra de Venecia por su película Women without Men (Mujeres sin hombres). También ha recibido reconocimientos como el Hiroshima Freedom Prize y el Lillian Gish Prize. En 2008, su exposición individual Mujeres sin hombres inauguró el ARoS Kunstmuseum en Dinamarca, viajó a la Galería Nacional de Arte Contemporáneo en Atenas y abrió el Kulturhuset Stockholm en otoño de ese mismo año. En la actualidad, Shirin Neshat está produciendo su segundo largometraje en torno a la vida y el arte de la legendaria cantante egipcia Umm Kulthum.

miércoles, 12 de junio de 2013

Giacometti en Madrid, Fundación Maphre

Del 13 de junio al 4 de Agosto, en la Sala Recoletos de la Fundación Maphre en Madrid, se podrá disfrutar de una extensa colección del artista Suizo Alberto Giacometti.

Sala Recoletos: Paseo de Recoletos, 23
Lunes de 14.00 a 20.00 hrs.
De martes a sábado de 10.00 a 20.00 hrs.
Domingos y festivos de 11.00 a 19.00 hrs.
Entrada Gratuita.

La Exposición 'TERRENOS DE JUEGO', responde a las investigaciones sobre la concepción espacial que el escultor Alberto Giacometti realizó a lo largo de toda su vida.

Alberto Giacometti -Suiza 1901, París 1966-
Artículo en ABC Cultural
La exposición parte de sus desconocidas esculturas surrealistas, concebidas como “tableros de juego”, y donde el artista desarrolla, como en una maqueta, su concepto de “escultura como lugar”, como un terreno de juego entre el arte, la vida y la muerte. Partiendo de estas primeras investigaciones, Giacometti comienza a trabajar en sus creaciones visionarias para plazas monumentales, en las que el espectador queda incluido como una ficha más del juego.
Giacometti es famoso por sus 'hombres y mujeres que caminan' realizados en bronce.
La muestra acaba guiándonos hasta el gran legado artístico de Giacometti, el mundialmente célebre grupo de figuras de tres metros de altura, que diseñó para la explanada del Chase Manhattan Plaza de Nueva York, y entre los que destacan El hombre que camina y la Gran Mujer.

Exposición de Alberto Giacometti en la Sala Recoletos
de la Fundación Maphre en Madrid

La colección comprende 197 obras -de ellas 32 esculturas (algunas de gran formato), pintura, litografías y fotografías del artista por Man Ray, Cartier-Bresson, Robert Doisneau o Ernst Scheidegger-.

Escultor y pintor suizo -nace en Borgonovo (Suiza) en 1901, de una familia de artistas (su padre fue pintor impresionista)-.

Tras terminar la enseñanza secundaria, se trasladó a Ginebra para cursar estudios de pintura, dibujo y escultura en la Escuela de Bellas Artes, y a París, en 1922, para estudiar en la Académie de la Grande Chaumière en Montparnasse -bajo la tutela de un asociado de Rodin,  el escultor Antoine Bourdelle-.

En la capital francesa entró en contacto con el ambiente cubista, y más tarde con el grupo surrealista, del que formó parte de 1930 a 1935. El abandono del surrealismo y la vuelta al arte figurativo constituyen el preludio de la llegada de Giacometti a su estilo más característico, con sus figuras humanas alargadas, muy delgadas y de superficie áspera, que pueden estar representadas solas o en grupo.

"One day when I was drawing a young girl, I suddenly noticed that the only thing that was alive was her gaze. The rest of her head meant no more to me than the skull of a dead man. One does want to sculpt a living person, but what makes him alive is without doubt his gaze... Everything else is only the framework for the gaze." Quoted in Twentieth-Century Artists on Art

Este texto reproduce palabras de Giacometti y en ellas reconoce el valor de 'la mirada' como el elemento que transmite 'vida' en una persona, indicando que todo lo demás es 'simplemente un marco para la mirada'.

Alberto Giacometti fallece en París en 1966, reconocido como uno de los artistas más destacados del Siglo XX.

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miércoles, 29 de mayo de 2013

Exposición Fotografía Emmet Gowin en Fundacion Mapfre


La Fundación Mapfre acoge la exposición del fotógrafo Emmet Gowin en su sede Azca -General Perón, 40 Madrid- del 29 de Mayo al 1 de septiembre.

El fotógrafo nacido en Virginia (1941) es conocido por los retratos de su familia, de naturaleza y vistas aéreas.

Su mujer, Edith, es la gran protagonista de los retratos - Como dice el Comisario de la exposición, Carlos Gollonet "La retrata obsesivamente a lo largo de toda su carrera. Acaricia con su cámara su cuerpo, su rostro, su pelo, sus ojos... El amor que siente por ella traspasa el objetivo".



Retrato familiar de Emmet Gowin

Otro de sus grandes amores es la naturaleza, que también se cuela en muchas de sus fotografías -con paisajes, vistas aéreas y territorios alterados medioambientalmente...

Plasma en sus fotografías el paso del tiempo, el efecto de las acciones del hombre y los acontecimientos, con la intensidad de quien penetra hasta lo más hondo de lo que tiene ante si.

jueves, 18 de abril de 2013

Ron Mueck at Fondation Cartier Paris

Ron Mueck, born in Australia (Melbourn 1958) and living in London, this artist rarely exhibits in Europe... but now we have the chance to enjoy his artworks at the Fondation Cartier por l'Art in Paris. It started a couple of days ago (April 16th) and it will be running until September 29th.

Fondation Cartier pour l'Art, Paris
Artículo en español '20 minutos' sobre la exposición de Ron Mueck en la Fundación Cartier de París
 Mueck reproduces with 'fidelity' every detail of the human body buy size, with surprising changes of scale, avoiding the portrait.

In this exhibition, six important recent sculptures and three produced especially for this event, plus a new film recording the acti of creation, made for the occasion by Gautier Deblonde.


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miércoles, 3 de abril de 2013

Exposición Mitsuo Miura en Palacio de Cristal, Madrid

El Palacio de Cristal del Parque del Retiro en Madrid, es un espacio gestionado por el Museo Reina Sofía. Alli, el artista Japonés (nacido en Iwate, Japón en 1946) afincado en Madrid desde 1966, expone sus 'Memorias imaginadas' hasta el 2 de septiembre 2013.

Palacio de Cristal, gestionado por el Museo Reina Sofía de Madrid

'Memorias imaginadas'  es una 'intervención', 'ambientación', 'instalación' en la que crea de unas 'columnas' invisibles o transparentes, que simbolizan 'recuerdos', 'memorias' -empleando dos círculos como base y techo de la columna, unos círculos en color suave o desvaído, como los recuerdos-, jugando también con la transparencia del espacio en que se encuentra, Palacio de cristal.


La columna aparece como un elemento clave dentro de su búsqueda de lo esencial y la reducción de lo formal hacia sus expresiones mínimas. Sirve como nexo arquitectónico milenario que posee una génesis relacionada con el esquematismo arbóreo. Este relato se complementa con los árboles del propio Parque del Retiro, que sirve como telón de fondo natural del paisaje plástico, abstracto y estilizado que elabora el artista japonés. El contexto exterior se convierte en parte sustancial del sentido que adquiere el trabajo artístico que realiza para el Palacio de Cristal.

Hasta el 2 de septiempre, en el Palacio de Cristal del Parque del Buen Retiro en Madrid
Todos los días de 10:00 a 22:00. *puede permanecer cerrado los días de lluvia.

Artencuentro recoge las ediciones de obra gráfica original de Mitsuo Miura editadas en los años 90 con el maestro serígrafo José Jiménez.

Obra Gráfica Original en serigrafía
80x120 cm
Editada con el maestro José Jiménez
Expuesta en Artencuentro

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miércoles, 13 de marzo de 2013

Alex Katz exhibitions in Europe- exposiciones en Europa del artista norteamericano Alex Katz

Alex Katz (New York 1927) has been considered by some critics as a precursor of Pop Art for his personal interpretation of objective figuration in the early sixties. He shares with the artists of this movement the influence of mass media and the use of flat, bright colors. But the preference for scenes of daily lifeephemeral moments that he raises to the level of freshness and elegance, and develop a personal style that he called ‘totally American’.

Alex Katz ha sido considerado por algunos críticos como el precursor del Arte Pop y por su interpretación personal de la figuración objetiva a comienzos de los sesenta.Comparte con los artistas de este movimiento la influencia de los medios de comunicación masivos y el empleo de colores planos brillantes; pero la preferencia por escenas de la vida diaria, momentos efímeros que elevan el nivel de frescura y elegancia a su obra, contribuyendo a crear un estilo muy personal, que él llama 'totally American'.

Exposición en la Galería Javier Álvarez
desde 13 de Febrero hasta 26 de Abril 2013
Calle Gecho, 12
Urbanización La Florida
 
Retrospectiva  'once in a lifetime', Galería Javier Álvarez, Madrid 2011

 Since starting as a painter, he has preferred to express himself through the portrait and his figures—especially the women in his paintings—have truly become contemporary icons.

Painted from life in a single sitting, despite their dimensions, they communicate a profound intimacy, as the subject looks at the viewer or turns her back on us in a casual manner that implies familiarity.

Desde que comenzó a pintar, ha preferido expresarse en su pintura a través del retrato y las figuras -especialmente mujeres-, que se han convertido en verdaderos iconos contemporáneos. Sus retratos comunican una profunda intimidad y familiaridad.

Alex Katz wife, at Javier López Gallery
Urb. La Florida, Madrid
February - March 2013 (also in 2011 exhibition)

He is an artist of international renown and, among his most recent exhibitions, those at the National Portrait Gallery in London and the Albertina in Vienna in 2010 deserve particular attention, as does Give me Tomorrow in Britain, at the Tate St. Ives and the Turner Contemporary in Margate, which has just closed. Upcoming events include shows at the Haus Konstruktiv in Zurich and the Musée Cantonal des Beaux-Arts in Lausanne.


Nacido en Nueva York en 1927, es un artista de renombre internacional, que cuenta con numerosas exposiciones recientes en Europa como:
. la que tuvo lugar en la National Portrait Gallery en Londres -del 15 de mayo al 12 de septiembre 2010-.
. Museo Albertina en Viena , titulada  'Alex Katz prints' -del 28 de mayo al 12 de septiembre 2010-.
. Retrospectiva 'once in a life time' en Galería Javier López, La Florida (Madrid) -del 27 de noviembre al 27 de mayo 2011-.
. 'Give me tomorrow', en Turner Contemporary, Londres -estuvo del 6 de octubre 2012 al 13 de enero 2013-
. Exposición 'Landscapes'  en Hous Kostructiv de Zurich (Suiza), hasta el 12 de Mayo.
. Hasta el 26 de Abril , exposición titulada SUMMER IN MAINE, en la  Galería Javier López de Madrid.

 Exposición 'Landscapes' de Alex Katz  en Hous Kostructiv de Zurich (Suiza), hasta el 12 de Mayo. Muestra obras del artista desde 1948 hasta la actualidad y algunas obras que muy pocas veces han sido expuestas hasta el momento.

Retrospective exhibition titled 'Landscapes'
at Hous Konstructiv, Zurich (Switzerland)
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viernes, 8 de marzo de 2013

Hilma af Klint at Moderna Museet Stockholm

Moderna Museet (Stockholm) is dedicating a major exhibition to the pioneering Swedish artist Hilma af Klint (1862-1944), this retrospective exhibition - presenting Hilma af Klint’s most important abstract works, as well as paintings and works on paper that have never before been presented publicly-, can be visited until May 26.

Amongst the first abstract art She belonged to a group called 'The Five' and the paintings or diagrams were a visual representation of complex philosophical ideas.

Like Vassily Kandinsky, Piet Mondrian and Kazimir Malevich, who have previously been regarded as the main protagonists of abstract art, Hilma af Klint was influenced by contemporary spiritual movements, such as spiritism, theosophy and, later, anthroposophy.

She belonged to a group called 'The Five' and the paintings or diagrams were a visual representation of complex philosophical ideas. The project on which "the Five" were engaged involved, in 1892, recording in a book a completely new system of mystical thought in the form of messages from higher spirits.

El País, Cultura
Panorama, noticias
MODERNA MUSEET, Stockholm (Estocolmo, Suecia)
 En la discusión sobre quién fue el primero en llegar a la abstracción, muchos sostienen que el mérito fue de Mondrian. Otros apoyan a Malevich, a Kupka o, siendo un poco generosos, a Delaunay. Pero una gran mayoría jura que el que dio el paso adelante decisivo fue Kandinsky.


Lo que Kandinsky no sabía era que una desconocida pintora sueca se le había avanzado, rompiendo con el lenguaje figurativo por lo menos cinco años antes que él.


Respondía al nombre de Hilma af Klint, paisajista en el Estocolmo de entonces, que consiguió formarse en la pintura gracias a la ley escandinava que permitía que las mujeres accedieran a la educación artística.

Se ganaba la vida vendiendo paisajes y dibujando estudios anatómicos para un instituto veterinario; pero además, Hilma experimentaba con otro tipo de pinturas, inspiradas por fuerzas ocultas que se manifestaban a través de su trazo-.

Aficionada al espiritismo y a la teosofía desde su juventud, dibujó círculos concéntricos, óvalos descomunales y espirales infinitas, que pretendían simbolizar la totalidad del cosmos, a menudo bajo los efectos de la hipnosis. Antes de que 1915 llegara a su fin y el fin de la figuración sonara en boca de las élites intelectuales, Hilma ya había pintado más de 200 composiciones abstractas.

Hasta ahora, su nombre permanecía en una órbita restringida, aunque tampoco resultaba completamente desconocido. En 1986, una muestra en Los Angeles ya exhibió algunos de sus cuadros, igual que haría el Centro Pompidou hace cinco años, en el marco de una exposición sobre la presencia de lo sagrado en el arte contemporáneo.
Hilma at Klint, Pompidou 'Traces su sacré, les dix plus grands'
Pese a todo, la envergadura de su legado no saltó a la vista hasta el año pasado, cuando el director de este museo sueco, Daniel Birnbaum, recibió una gigantesca caja de madera en su despacho de la isla de Skeppsholmen con obra de la artista.
Ahora, en el Moderna Museet de Estocolmo, hasta el 26 de Mayo, se pueden contemplar sus obras abstractas más importantes, además de algunas pinturas y bocetos en papel que se presentan por primera vez al público-.


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martes, 5 de marzo de 2013

POETICA, neuf sculpteurs interprètent leur poésie toute personnelle

Du 5 au 25 mars, a l’occasion de le vingtième anniversaire de POETICA,  Ateliers d’Artistes organise plusieurs manifestations artistiques dans le 6e arrondissement de Paris. Oeuvres, créations et installationsde peintres, sculpteurs, photographes, graveurs... et musiciens sont présentées à la Mairie du 6e, sur la place et dans l’église Saint-Sulpice.


POETICA, París 2013

Sur la place Saint-Sulpice, neuf sculpteurs interprètent leur poésie toute personnelle.

La Reyne de coupe -de l'artiste espagneule Ruria Román
L’emplacement a un caractère fortement symbolique .Il est situé entre l’église et la mairie, deux édifices institutionnels, et rappelle que l’espace de la femme est marqué par le discours institutionnel .

Ce contexte renforce le sens de la pièce qui parle de la nécessité des femmes d’occuper leur espace propre , un espace vide qui existe mais n est pas encore investi , d’ être et se maintenir en lui et assumer la responsabilité de participer aux cycles de la vie et de faire du monde un lieu plus juste et plus sure pour elles- même .

Pues eso, que aquellos que tengáis la suerte de estar en París o poder viajar estos días a esta bella ciudad, debéis visitar la Plaza e Iglesia de Saint-Sulpice, porque allí se está congregando la obra de numerosos artistas -con especial mención a la obra de nuevos escultores, que interpretan su poesía a través de la escultura-.

Y además, entre los artistas expositores, tenemos a la española Nuria Román -pintora y escultora amiga de Artencuentro, que nos ha enviado una invitación y cuya obra podéis ver en la imagen superior-.

La Reina de Copas, escultura de la artista española Nuria Román:
El lugar elegido tiene una alto poder simbólico. Se sitúa entre la iglesia y el Ayuntamiento, dos edificios que recuerdan que el espacio de las mujeres está determinado por el discurso institucional.

Este contexto subraya el objetivo de la pieza: hacer visible la necesidad de las mujeres de ocupar un espacio público que aún no es propio. Subrayar los vacíos del discurso, en los que cada mujer se construye y de-construye, una y otra vez, por eso concibo “la reina de copas” como una acción artística: representa el camino, la transformación en la que estamos inmersas. Ocupar el propio espacio, estar en él, mantenerse, asumir su responsabilidad de formar parte de la rueda de la vida y hacer del mundo un lugar mas justo y seguro para ellas es un destino aún por alcanzar.




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lunes, 18 de febrero de 2013

Andy Warhol at MAC Belfast

The MAC (Metropolitan Arts Centre) Belfast -up until April 28th -will host the first significant exhibition of Andy Warhol’s exhibition in Northern Ireland.


Andy Warhol is one of the most influential American artists to emerge in the post-war period. The power of Warhol’s work comes from its focus on fundamental human themes – the beauty and glamour of youth and fame, material culture, the passing of time and the presence of death. Employing mass-production techniques, Warhol challenged preconceived notions about the nature of art and erased traditional distinctions between fine art and popular culture.

The exhibition includes work from the ARTIST ROOMS’ impressive selection of 232 works which span the artist’s entire body of work and reflect his eclectic career and vibrant personality.

http://themaclive.com/whats-on/andy-warhol/
Andy Warhol en el MAC (Metropolitan Arts Centre) de Belfast - Hasta el 28 de abril

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Roy Lichtenstein at the Tate Modern Gallery London

Retrospective exhibition from Roy Lichtenstein at the Tate Modern in London -from February 21st to May 27th-.

Co-organised by The Art Institute of Chicago and Tate Modern, this show brings together 125 of his most definitive paintings and sculptures .

Lichtenstein is renowned for his works based on comic strips and advertising imagery, coloured with his signature hand-painted Benday dots (remembering the quatricomy dots used in industrial or advertisisng silk screen printing).



Roy Lichtenstein en la Tate Modern de Londres del 21 Febrero a 27 Mayo -una restrospectiva sobre el artista organizada entre la Tate Modern de Londres y The Art Institute of Chicago.

Lichtenstein es conocido por sus obras basadas en viñetas de comics, sus colores brillantes y predominio de los 'primarios' y su trama de puntos que exagera aquellos puntos y que recuerda a la serigrafía industrial típica de vallas publicitarias...

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miércoles, 13 de febrero de 2013

Art Trade Shows in Madrid February 2013

If you are in Madrid and you like Art, there are now two activies you must follow: ART MADRID and ARCO.

We talked down below about Arco -Art Trade Show in Madrid-, that starts today and follows up to the 17th of this month. 201 galleries from 27 countries and more than 2,000 artists will be represented in Madrid -with with 133 foreign galleries and the International participation rising a 66%.


Madrid street Paseo de la Castellana advertising ARCO Art Trade Show with flags

ART-MADRID is another Trade Show taking place in Madrid in the same dates -from February 13th to Feb. 17th-. This show receives a smaller number of galleries and has mostly presence of Galleries from Spain, but with a very good level. It also has a space for Young artists calles One Project which provides a flair of modernity and 'avantgarde'. 
Art Madrid receives more than 40,000 visitors and has been organized for eight years.
http://www.art-madrid.com/information