viernes, 21 de diciembre de 2012

Exposiciones que visitar - Exhibitions to visit: Spain and Spanish artists

Exposiciones en Museos y Salas de Arte españolas
Artistas españoles cuya obra se expone actualmente en otros países.
En esta entrada os recordamos algunas exposiciones que consideramos no os deberíais perder en estas fechas. We will briefly remind some exhibitions you should visit if you are in Spain, and if you are abroad and you like Art From Spain.

"Os prestamos nuestro blog para que presentéis vuestras exposiciones en vigor o aquellas que consideréis también deben ser visitadas. Please, feel free to write about you own art exhibitions or those that you have visited lately and you consider are worth to recommend."
http://www.artencuentro.com/
http://www.facebook.com/artencuentrograficaoriginal
https://twitter.com/artencuentro    



FUNDACIÓN JUAN MARCH Castelló, 77 (Madrid)
'La isla del tesoro, arte británico de Holbein a Hockney' , hasta el 20 de enero
British art from 1520 up to 1980 in Madrid -seven phases/periods in the British art history "with some wonderful artworks like the one below from David Hockney".

. Destrucción y Reforma (1520-1620)

. La revolución y el Barroco (1620-1720)

. Sociedad y sátira (1720-1800)

. Paisajes de la mente (1760-1850)

. Realismo y reacción (1850-1900)

. Modernidad y tradición (1900-1940).

. Un mundo feliz (1945-1980)

"Siete etapas de las que los amantes del arte contemporáneo disfrutaréis especialmente las dos últimas, pero 'hay obras maravillosas como esta de David Hockney' que no os debéis perder. También la etapa 'Realismo y reacción' contiene obras impresionantes".


http://www.march.es/arte/madrid/exposiciones/la-isla-del-tesoro/siete-etapas.aspx?l=1



MUSEO THYSSEN - BORNEMISZA Paseo del Prado, 8 (Madrid)
GAUGUIN Y EL VIAJE A LO EXÓTICO, hasta el 13 de enero
La huida de Paul Gauguin a Tahití, donde reconquistó el primitivismo a través del exotismo, es el hilo conductor de esta exposición que, mediante una amplia selección de artistas de finales del siglo XIX y principios del XX, descubrirá de qué forma el viaje hacia mundos supuestamente más auténticos produjo una transformación del lenguaje creativo, y en qué medida esta experiencia condicionó la transformación del modernismo.


http://www.museothyssen.org/thyssen/exposiciones_actuales/89


MUSEO GUGGENHEM BILBAO
Avenida Abandoibarra, 2 (Bilbao)



EGON SCHIELE, 1890 Tull ( Austria), hasta el 6 de enero.
En 1909, participa en la Internationale Kunstschau -Muestra Internacional de Arte-, donde se rinde homenaje a Gustav Klimt y en la que Oskar Kokoschka hace su debut.

En 1910, se produce el cambio hacia el Expresionismo en su obra. Schiele se rebela tanto contra el naturalismo como contra el dominante Jugendstil (Modernismo) vienés; en su obra emergen temas como el desnudo erótico, las mujeres encintas y, sobre todo, el autorretrato.

Desde finales de 1915, su arte expresionista comienza a acercarse a lo natural - lo que se refleja especialmente en sus desnudos femeninos y retratos, cada vez más realistas-.

En marzo de 1918, logra el éxito con la exposición 49ª de la Secesión vienesa: el artista obtiene lucrativos encargos de retratos y también aumenta la demanda de sus desnudos eróticos.


http://schiele.guggenheim-bilbao.es/exposiciones/egon-schiele/info/


CENTRE POMPIDOU (Gallerie 1)
Rue du Rivoli  /Rue Rambuteauv(Paris)

SALVADOR DALI -Le Centre Pompidou rend hommage à l'une des figures magistrales les plus complexes et prolifiques de l'art du 20e siècle, Salvador Dalí. El Centro Pompidou rinde homenage a una de las figuras má complejas del arte del Siglo XX.

Parmi les chefs-d'œuvre exposés, les visiteurs redécouvriront quelques-unes des plus grandes icônes, à l'exemple du plus célèbre tableau de l'artiste, La Persistance de la mémoire, plus communément appelé Les Montres molles. Ce prêt exceptionnel du MoMA rejoint un choix d'œuvres majeures réunies pour cette rétrospective grâce à une étroite collaboration nouée avec le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid, et la participation conjointe de la Fundació Dalí à Figueres et du Dalí Museum à Saint-Petersburg (Floride).

Entre las obras maestras expuestas, los visitantes descubrirán qlgunos de los iconos del artista -como 'la persistencia de la memoria'. Con la colaboración de los tres grandes museos que recogen obra del maestro.


http://www.centrepompidou.fr/cpv/ressource.action?param.id=FR_R-982527a6361ed3d20e0225667326fc7¶m.idSource=FR_E-83f7964a2eb5338b98135668c18bfbf0¶m.notReturn=notReturn
SALVADOR DALI, CENTRE POMPIDOU (Paris)



 


 

miércoles, 12 de diciembre de 2012

Qué es la Obra Gráfica Original

DEFINICIÓN DE LA OBRA GRÁFICA ORIGINAL
por Artencuentro.com -editores de obra gráfica original


Obra Gráfica Original comprende múltiples y muy diversas técnicas -como la serigrafía, litografía, xilografía, y las distintas variedades incluidas dentro del grabado (como aguafuerte, aguatinta, linóleo, etc.)-. Éstas técnicas tienen en común la obtención de una serie limitada es decir, un número determinado y finito de ejemplares, que llamaremos tirada.
Fig.1
El artista Ángel Haro (izquierda) y el editor, maestro de serigrafía, José Jiménez (derecha)
estudiando los positivos realizados por el artista
y analizando los posibles efectos de la superposición de tintas.

 En 1959, la Asociación Internacional de Artes Plásticas de la UNESCO (Paris) -The International Association of Plastic Arts-, elabora un informe sobre el número 'legal' de ejemplares en series de escultura y grabado, que continúa con la 'Declaration on Original Works of Graphic Art'.

A partir de ese punto, y tras una prolongada correspondencia con intercambio de ideas y puntos de vista por parte de diversos expertos -como Theodore Gusten y Berto Lardera-, se elabora un boceto para el Tercer Congreso de Artes Plásticas (que tuvo lugar en Viena en 1960) -Third International Congress of Plastic Arts-.

According to the definition of original prints resolved in the International Congress of Plastic Arts held in Vienna in 1960, and based on other definitions of prints concluded in some unwritten meetings, we can summarize the definition of ORIGINAL WORKS OF GRAPHIC ARTS or ORIGINAL PRINTS as follows:
. Artists have to involve in printmaking work directly.
. The proof of each time has to make limited editions, and the serial numbers of the limited editions have to be left on the works.
. Having completed making the number of prints, an artist has no right to reuse the plate for other purposes.
. The printing of a print can be directly done by the artist or by another person. If the printing is to be done by another person, his/her name should be signed by the left hand side of the print maker’s signature.
. After a print has been used to make the stated number of prints, the plate has to be destroyed.
. The artist’s proof is 10% .
. The copies reproduced by a reproductive machine cannot be called the original prints.

fig. 2
Pantalla de serigrafía y papel con una tinta impresa
Fig. 3
El maestro serígrafo estudiando el resultado de la impresión del primer color.

Para que se considere obra gráfica original se han de cumplir los siguientes aspectos:

. El  artista debe involucrarse directamente en la edición de la obra.
En nuestro Taller procuramos que el artista se involucre en todo el proceso -sobretodo en la elaboración 'a mano' de los positivos (uno para cada color)-, trabajando también en la selección de cada color, y decidiendo nuevos pasos según va evolucionando la obra (según se va imprimiendo y los colores se van superponiendo).

Fig. 4
Alfonso Albacete estudiando la selección de color para la edición de 'Bosquejo'
junto a la obra en la que se basa la edición
-si bien el resultado, como se verá más adelante,
no es una reproducción de la misma, sino una nueva versión-

. La/s pantalla/s (en el caso de la serigrafía) o la/s plancha/s (en litografía o grabado) se elaboran para hacer 'ediciones limitadas', y cada ejemplar ha de ser numerado.
las obras, generalmente impresas en papel, son numeradas por el artista a mano y con lápiz -indicando el número de cada ejemplar sobre el total, bien en números arábigos o romanos-. Esta numeración suele aparecer en la esquina inferior izquierda de la obra.


. Cuando se ha terminado de imprimir una edición, el artista no tiene derecho a emplear de nuevo la misma plancha /pantalla para otros propósitos.
. Cuando se ha terminado de imprimir la tirada de una edición, la plancha o pantalla ha de ser destruida.
En nuestro Taller, las emulsión de la pantallas se limpia al terminar la edición -se 'recupera' (limpieza con disolvente y agua a presión de la malla), o bien se quita la seda del marco y sustituye por otra nueva y limpia-.

. Las Pruebas de Artista son un 10% de la Tirada.
Existen también las 'Pruebas de Taller', que se queda el 'Taller de Edición'- que se marcan con P/T y el total tampoco ha de superar el 10% de la tirada-. Las pruebas de Autor son para el artista y se marcan con P/A. En nuestro caso, como editores, en muchas ocasiones nos quedamos con parte o la totalidad de los ejemplares numerados -salvo que sea el artista o una empresa quienes encarguen la edición-

. El proceso de 'impresión' puede hacerse directamente por el artista o por otra persona. Artista e impresor firman la obra en caso de que sean personas distintas.
En nuestro Taller, en maestro serígrafo Jose Jiménez, con cuarenta años de experiencia, lleva a cabo la impresión -y trabaja con el artista asistiéndole en lo que necesite a lo largo de todo el proceso, facilitándole información sobre la técnica y sus posibilidades (efectos o calidades). En nuestro caso, el maestro serígrafo cede todo el protagonismo al artista omite su firma -sólo si el cliente lo desea, le prepararemos un 'certificado de edición', con los detalles de la misma y el nombre del maestro editor-.

Fig. 5
Maestro serígrafo, José Jiménez (izquierda), y el artista.

. Que el contenido no sea una mera reproducción de otra obra.
Cada técnica tiene sus peculiaridades y permite experimentar unos 'efectos o calidades', que el maestro y artista deben conocer -y si el artista es neófito en la técnica, será ilustrado por el maestro editor experto en la misma-. El objetivo será conseguir un resultado único (una serie única) y diferente al original o boceto de partida. Es útil partir de una obra terminada o bien boceto, que nos sirva de guía u orientación durante el desarrollo de los positivos y la impresión, pero el resultado no será una reproducción del original, sino una versión nueva de la misma, que explote al máximo las posibilidades de cada técnica -, en la que el artista y el maestro editor experimentan durante el proceso, dando lugar a una nueva creación.

Fig. 6
Alfonso Albacete posando junto a la obra gráfica original, 'Bosquejo'
casi acabada. Como se ve frente a la Fig. 4




jueves, 6 de diciembre de 2012

Antonio Martínez Mengual y las granadas

Antonio Martínez Mengual (Murcia 1948), se define como autodidacta y expresionista.

Formó parte de la primera muestra de Contraparada Arte en Murcia, con el grupo 15+1, estando siempre presente en los eventos de interés artístico que conforman lo mejor del arte actual de la Región de Murcia y exponiendo en Galerías de la región y otras como Alonso Ojeda (Cuenca), Ederi (Bilbao), Peter Bartlow (Chicago, EE.UU.) entre otras; asistiendo a la Bienal de Arte de Florencia en 1999.

Antonio M. Mengual
Cuando observamos la obra de Mengual, vemos que la granada es un elemento recurrente.

Obra Gráfica original en serigrafía de Antonio Martínez Mengual
Serigrafía sobre papel de alto gramaje en formato 76x112
http://www.artencuentro.com/artistas_obra/Antonio_Mengual.html
El granado, árbol originario de la región que abarca desde Irán hasta el norte de la cordillera del Himalaya;  fue cultivado en toda la región del Mediterráneo, y es muy abundante en Murcia -región del artista-.

Acuarela de Antonio M. Mengual
http://www.artencuentro.com

Muy apreciado en zonas desérticas, por su piel gruesa y coriácea, que le permitía conservando sus apreciadas cualidades durante largos períodos.

Obra Gráfica Original de Antonio Martínez Mengual
Técnica Mixta -grabado aguafuerte y collage- sobre papel
Colección de cuatro obras en formato 62x38,5
http://www.artencuentro.com/artistas_obra/Antonio_Mengual.html
 Se sabe del cultivo de la granada, desde hace al menos 5000 años en Asia occidental y en el Norte de África. Se plantaba en los Jardines de Babilonia y se encuentra esculpido en los bajorrelieves egipcios.

Los romanos conocieron la granada gracias a los fenicios -activos impulsores de su cultivo, en parte por razones de tipo religioso-, que la llevaron a Roma -de ahí su nombre científico de Punica-.
Muchos pueblos han visto la granada como un símbolo de amor, de fertilidad y prosperidad:
  • Según la mitología griega, el primer granado fue plantado por Afrodita (diosa griega del amor y de la belleza);  mientras que Hades ( dios del inframundo), le ofreció su fruto a la bella Perséfone para seducirla.
  • En la isla de Java está asociada a ciertos ritos que acompañan el embarazo.
  • Según Shakespeare bajo su follaje se ocultó Romeo para cantarle una serenata a Julieta 'acto 3º de Romeo y Julieta -emleado probablemente como referencia a la antigua Grecia*
  • En China se acostumbra a ofrecer una granada a los recién casados como auspicio de una descendencia numerosa.
  • En el Islam se considera uno de los árboles del Paraíso.

Litografía de Antonio Martínez Mengual
Formato 76x112 cm
http://www.artencuentro.com/artistas_obra/Antonio_Mengual.html

*Probable referencia de Shakespeare a la antigua Grecia -simbolismo de la Granada-.

Ancient Greek Literature
The pomegranate appears many times in Greek mythology. It is most famous in the story of Persephone and is known in classic Greek myth as a symbol of fertility and bounty. To summarize the story, Hades, king of the underworld, takes Persephone to the underworld. Demeter, goddess of crops and Persephone's mother, became enraged and stopped crop growth. Zeus then ordered the release of Persephone. Hades, before she leaves, forces her to eat pomegranate seeds and thus doomed the goddess to the underworld for a portion of every year. From then on, while Persephone is underground, agricultural growth stops and the world turns dry; when she rises back to the world, the earth begins producing an abundance of crops and flowers. Hence, Persephone's eating of the pomegranate seed represents the changing of seasons; her rise to earth represents spring and rejuvenation; her descent represents the winter's approach and death. Pomegranates, thus, symbolize fertility, resurrection, and fruitfulness while also being the significance of changing times and seasons.
http://www.ehow.com/info_8233631_symbolism-pomegranates-literature.html



miércoles, 28 de noviembre de 2012

Jaume Plensa, Barcelona 1955, gana el Premio Nacional de Artes Plásticas

Jaume Plensa, escultor, pintor y escenógrafo, conocido sobretodo por sus esculturas de figuras, cabezas de gran tamaño, juego con la tipografía y empleo de materiales variados -acero, mármol, resina de poliéster y juego con la luz-, es uno de nuestros artistas más internacionales. Según sus palabras: 'hace mucho tiempo que me fui a vivir a Berlín, luego a París y Nueva York y mi obra creció en el extranjero'-.

Este año, ha recibido el Premio Nacional de las Artes que otorga el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte español. El jurado ha reconocido “la labor progresiva, de proyección internacional, en el desarrollo de la nueva escultura”, pero también “la utilización del lenguaje como medio de reflexión” y “su preocupación por la humanización del espacio urbano y su aportación al diseño escenográfico”.
http://cultura.elpais.com/cultura/2012/11/27/actualidad/1354019101_002152.html

Escultura en acero pintado de Jaume Plensa, Place Vendôme (Paris),
exposición temporal con motivo de la FIAC 2012


Ogijima’s Soul, Ogijima, Japan
 En 1983-1984 empieza a moldear el hierro con la técnica de la fundición y desarrolla un concepto escultórico de formas zoomórficas utilizando cortes y dobleces. En 1986 empezó a trabajar con hierro fundido, y luego utilizó cristal, resina, luces y sonidos.


Desde 1996 se ha dedicado también a crear elementos y decorados para montajes de ópera y teatro.

La Atlántida, de Manuel de Falla, con la Fura dels Baus.

Su obra puede encontrarse en
Milenium Park de Chicago (EE.UU.) -obra titulada 'The Crown Fountain'
Harmony walk, Buffalo Bayou Park, Houston Texas (EE.UU.) - 'Tolerance'
Place Masséna, Nice (Francia) - 'Conversation a Nice'
Bastion Saint Jaume, Port Vauban, Antibes (Francia) - 'Nomade'
Goethe Universität, Frankfurt (Alemania) - 'Body of knoledge'
Dietrichsrush, Salzburg University, Austria - 'Awilda in Salzburg'
Ogijima, Seto Inland Sea, Kagawa Prefecture, Japón - 'Ogijima's soul'
Burj Khalifa, Dubai (Emiratos Árabes Unidos) - 'World Voices'
Sutton Manors, St. Helens, Liverpool (Reino Unido) - 'Dream'
Egton House Roof, BBC Broadcasting Roof, London (Reino Unido) - 'Breathing'
entre otros países; además de haber realizado exposiciones temporales en espacios públicos de otros como Bahía de Botafogo, en Río de Janeiro(Brasil), Madisson Squar Park (Nueva York, EE.UU.) o Place Vendôme de París, coincidiendo con la Feria de Arte de París (FIAC 2012).
http://www.jaumeplensa.com/


Entre las dos torres del 'Crown Fountain'
-que muestran imágenes de personas de diferentes edades sonriendo y expulsando agua por la boca-,
se forma una extensión de agua que refleja los edificios y árboles colindantes,
y en la que juegan y chapotean los niños de la ciudad de Chicago.

Actualmente la obra de Jaume Plensa se expone actualmente en el Espoo Museum Of Modern Art . La exposición, titulada IN THE MIST OF DREAMS  ocupará las salas de Museo hasta el 17 de Enero 2013, con esculturas creadas entre 2004 y 2012.
“Many of my works reflect the dualism between body and soul, subjects which feature widely in my work.
For instance, within my light works is a somehow moving light.This could be the soul which we can never find within the body.”

Created in steel, synthetic resin, glass fibre, iron, bronze, alabaster, paper and light, the works offer a cross-section of Plensa’s career as sculptor. He has also created numerous works on paper as well as etchings. His other works include sets and costumes for opera and theatre productions.

http://www.emma.museum/en/node/968




Plensa, artist -sculptor, painter and scenographer- born in Barcelona, is well known for his public sculptures and art projects around the world. The most notable examples include Crown Fountain (2000–2004) in Millenium Park, Chicago; Breathing, 2005 at the BBC Building, London; Ogijima’s Soul, 2009 in Ogijima, Japan; World Voices, 2009 in Dubai; and Echo, 2011 in Madison Square Park, New York. He is currently working on public art projects for Calgary, Houston and Seoul.
Plensa exhibits his works actively with exhibitions in museums and galleries in Europe, the USA, Japan and Brazil. Regular showrooms for Plensa’s works are Galerie Lelong in Paris and New York and Richard Gray Gallery in Chicago and New York.

jueves, 22 de noviembre de 2012

El Museo de arte abstracto de Cuenca

El Museo Abtracto de Cuenca abrió sus puertas por primera vez en 1966, gracias a la iniciativa, esfuerzo, afán emprendedor y aperturista de un grupo de Artistas, entre los que destacan Fernando Zóbel, Gerardo Rueda y GustavoTorner.



Fotografía de Fernando Nuño
El 30 de junio de 1966, en una celebración informal y amigable, se abre el Museo de Arte Abstracto Español, con una pequeña parte de la colección, unas cuarenta obras, al tiempo que se edita el primer catálogo, con fotografías de Fernando Nuño.
 La colección permanente de éste museo de arte abstracto español, una de las mejores representaciones de la pintuara abstracta española de mediados del siglo XX, se compone de 127 pinturas y esculturas de artistas españoles -sobre todo de la época de los 50 y 60-, con representación de los movimientos El Paso, Dau al Set y el Grupo Cuenca.

Artistas como Antonio Saura, Manolo Millares , Antoni Tàpies, Gustavo Torner, Gerardo Rueda, Eusebio Semper ,Manuel Mompó Fernando Zobel son los mejor representados; si bien también se expone obra de: Eduardo Chillida, Martín Chirino, Luis Feito, Joan Hernández Pijuan, Jose Mª López Yturralde , Jordi Teixidor, Pablo Palazuelo, Jorge Oteiza, Lucio Muñoz, Manuel H. Mompó, Manuel Rivera, Manuel Viola, entre otros.


Obra de Saura, al fondo, en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca

María Bolaños relata para el catálogo de la Fundación Juan March el origen del museo ''
un museo pensado, diseñado y realizado por artistas, ajenos al ámbito del conservador–funcionario al uso. Un sueño de amigos, una inquietud común. En un equipo inspirado por la generosidad y el espíritu de colaboración, Zóbel dirigió el museo y la organización de sus contenidos, Torner asumió la codirección, Gerardo Rueda fue nombrado conservador jefe, y Antonio Lorenzo, Sempere y Fernando Nuño quedaron como asesores.''
http://www.march.es/arte/cuenca/coleccion/futuro-hoy.aspx

pasada la posguerra y entrada ya la década de los sesenta, los museos de arte moderno europeos seguían resintiéndose de los daños sufridos durante la contienda —la destrucción material, la sangría de sus colecciones y el desprestigio causado por las manipulaciones ideológicas—, y vivían en la precariedad.

El caso español era aún más desalentador. A comienzos de los sesenta el país a duras penas encubría la anomalía de la dictadura - "años de penitencia", como los llamó Carlos Barral, caracterizados por el raquitismo de la vida intelectual, el aislamiento artístico de todo contacto extranjero y, en el caso particular de los museos, por una rutinaria y aletargada actividad y la mayor desidia de los poderes oficiales-. Los museos estaban polvorientos, anticuados, vacíos.

Si bien régimen había comprendido la imposibilidad de mantener el monopolio academicista, así como la inconveniencia de su rabia antimoderna y de su visión de la vanguardia como una conspiración contra los valores eternos del arte español; cualquier iniciativa debía responder a la naturaleza propia de todo museo dedicado a la modernidad artística y a la vez, verse obligado a cumplir esta tarea casi clandestinamente, para no molestar al Gobierno.

En esa década incierta son frecuentes las iniciativas de sectores ajenos al campo profesional del museo, en especial por los propios artistas -con creadores que imprimen a sus colecciones un sello declaradamente privado, que se adentran en aventuras museísticas arriesgadas.

El punto de partida en este caso era una excelente colección de arte español de la generación más joven, cuyo propietario, y principal inspirador del proyecto, era Fernando Zóbel, un pintor nacido en Filipinas, formado en Harvard y desde  1955 había viajado por Europa y España. Conoce a Rueda en 1955, y enseguida a Saura, Chirino o Sempere, que regresa a España en 1960, para instalarse aquí definitivamente en 1961.

Una afinidad más particular se tejió entre Zóbel, Rueda y Torner, avivada por los viajes a París, los proyectos expositivos comunes, en Biosca, Juana Mordó o Juana de Aizpuru, o la asistencia a la Bienal de Venecia, en 1960 y 1962, a la que acudieron juntos, así como a distintas exposiciones en Basilea, Múnich o en la Tate Gallery de Londres. Estos artistas formarán el llamado Grupo de Cuenca, al que se sumarán José Guerrero, Antonio Lorenzo, Manuel H. Mompó y Eusebio Sempere entre otros.
 

Reunión de amigos, entre otros,
Fernando Zóbel, Gerardo Delgado,
Gustavo Torner y José Guerrero,
en casa de Torner en Cuenca, 1966.
Fotografía de Eric Schaal.
Torner, que vivía en Cuenca sugiere la rehabilitación de unas viejas casas medievales en la parte alta, que pertenecen al Ayuntamiento. La disposición del Ayuntamiento a ceder el edificio les hace decidirse por esta ubicación.

El 30 de junio de 1966, en una celebración informal y amigable, se abre finalmente el Museo de Arte Abstracto Español, con una pequeña parte de la colección, al tiempo que se edita el primer catálogo, con fotos de Fernando Nuño. En esta presentación se recorrían las diversas tendencias abstractas - desde el orden constructivista más racional de Néstor Basterrechea, hasta el expresionismo figurativo de Saura, pasando por personalidades líricas, como la que encarnaba el propio Zóbel, grandes coloristas como Guerrero, amantes del negro como Lucio Muñoz, cultivadores de la caligrafía como Mompó o de un materialismo radical, como era el caso de Millares o Tàpies-.
 
Museo Abstracto de Cuenca;
Dirección: Casas Colgadas 16001

Horario: De martes a viernes y festivos: 11-14 h. y 16-18 h.
Sábados: 11-14 h y 16-20 h.
Domingos: 11-14,30 h.
Lunes: cerrado.

jueves, 8 de noviembre de 2012

Javier de Juan, ilustrador, pintor, grabador, guionista y director de Monómaco

Javier de Juan (Jaen 1958) - ilustrador, pintor y grabador entre otras facetas..., pronto será también conocido por el guión y la dirección de Monómaco.


MONÓMACO, coproducción entre Magic Films (España) y Canterville Productions (Reino Unido), todavía en producción., es una historia en la que ' los dioses se aburren'. Júpiter es un francés arrogante, Juno una aristócrata inglesa, Mercurio viaja sobre una Vespa voladora, Venus -la de la lengua voluptuosa-, es Venus. Durante una cena en Mallorca hacen una apuesta sobre la vida de un mortal con una vida aburrida, pero segura.
http://www.cineytele.com/noticia.php?nid=26762


Javier de Juan comienza a publicar sus primeros trabajos en la revista Madriz en pleno auge de la movida madrileña.
Los temas que inspiran sus viñetas, dibujos e historietas están relacionados con la vida en los cafés, los bares y la efervescente y creativa vida nocturna madrileña.



"Cuando los hombres empezaron a ser hombres, empezaron a hacer dibujos. Y en las paredes y los techos de sus casa plasmaron sus deseos: los animales que habrían de cazar, las peleas en las que vencerían a los de la cueva de al lado, las mujeres que preñarían después, o simplemente la huella de una mano como forma de perdurar eternamente... tengo el convencimiento de que el dibujo es la expresión primordial de lo simbólico. De que el dibujo es la esencia del arte. Es la primera manifestación material que plasma los deseos que surgen como chispazos en el alma del hombre, incluso antes de que el lenguaje hablado... La palabra resignifica la imagen y la imagen se reinterpreta de nuevo a la luz de la palabra, emergiendo un todo nuevo, producto de esta simbiosis o sinergia, como gusta decir ahora... la imagen y la palabra unidas son el verdadero lenguaje de estos tiempos de saturación visual y mental" escribe Javier de Juan.

Totalmente ligado a Madrid, sus trabajos en variados soportes como el cartel, la serigrafía, el grabado y, por supuesto, el óleo le han convertido en el “cronista” del Madrid de fin de siglo.  



Serie 'fumadores' de Javier de Juan en serigrafía
Formato 57x38
http://www.artencuentro.com/artistas_obra/Javier_de_Juan.html

Diseña carteles para el Ayuntamiento de Madrid, postales y portadas de discos para diferentes grupos. Desde entonces sus series de dibujos, pinturas y grabados se desarrollan a partir de grandes áreas temáticas como la vida, flora y fauna nocturnas, las relaciones humanas cotidianas, el viaje...

Javier de Juan, Ceesepe y El Hortelano, diseñan la carátula y libro que acompañan el CD de Aute 'mira que eres canalla'
http://encubiertacover.blogspot.com.es/2011/01/mira-que-eres-canalla-javier-de-juan.html


Pasó unos años en Murcia, donde conoció al editor de serigrafía José Jiménez y trabajaron en obras como 'sociedad de bañistas de invierno', 'trilogía, beso, embarazo y niño', 'tiempo de blues' y 'tiempo de soul', la serie 'fumadores', realizó varios trabajos para el mítico 'Varadero' en la Ribera del Mar Menor...


Tiempo de Blues, serigrafía de Javier de Juan

Serigrafía de Javier de Juan para Varadero
Formato 65x50
http://www.artencuentro.com/artistas_obra/Javier_de_Juan.html
 En esa época recibe encargos de obra original para Varadero y es el responsable de las ilustraciones de muchos de sus carteles,

Sociedad de bañistas de invierno, serigrafía de Javier de Juan
Formato 65x50
http://www.artencuentro.com/artistas_obra/Javier_de_Juan.html


Crea la ilustración para el cortometraje 'lo que sé de Lola', de Javier Rebollo
http://www.blogdecine.com/criticas/alo-que-se-de-lolaa-un-cortometraje-de-112-minutos







Su obra puede encontrarse en salas como:


Museo Municipal de Ginebra, Suiza.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Sevilla.

Lindner Foundation, Dusseldorf, Alemania.

Museo Municipal, Madrid.

Museo del Grabado. Marbella, Málaga.

Fundación Telefónica.

Círculo de Bellas Artes, Madrid.

Banco de España, Madrid.

Biblioteca Nacional, Madrid.

Fundación Argentaria, Madrid.

Fundación La Caixa, Barcelona.

Fundación Tabacalera, Madrid.

Euroforum, El Escorial, Madrid.

Calcografía Nacional, Madrid

Fundación Juan March, Madrid.

Teatro Real, Madrid.

Fundación Aena, Madrid.

Ayuntamiento de Los Llanos de Aridane, La Palma


lunes, 29 de octubre de 2012

Exposición de Antonio Alcaraz en la Galería Cànem de Castellón

Antonio Alcaraz, Alicante 1963, ha hecho de la industria (des-industrialización) el tema protagonista de su objeto y acto artístico, quiere sensibilizarnos hacia el elemento industrial, ahora ya espacios vacíos y obsoletos.

Carbó i acer, poètica d'una memòria


Así es como Antonio Alcaraz titula esta nueva exposición en la Galería Cànem. Más allá de la arqueología industrial, de escombros y recuerdos pasados, lejanos ... perdidos ... un principio para una nueva memoria.

Chimenea en A Coruña, obra de Antonio Alcaraz
Fusión de recursos (fragmentación, intercambio, yuxtaposición de lenguajes, relación pintura-fotografía-escultura ...

Antonio Alcaraz utiliza las técnicas de reproducción, transferencias electrográficas, litografía, xilografía, serigrafía, en los que la fotografía es la imagen primitiva, "original", y figurativa. El acto fotográfico es esencial en su obra: es el testimonio.

Serigrafía de Antonio Alcaraz editada en el Taller de José Jiménez
Formato 76x112
http://www.artencuentro.com/artistas_obra/Antonio_Alcaraz.html


Serigrafía de Antonio Alcaraz editada en el Taller de José Jiménez
Formato 112x76
http://www.artencuentro.com/artistas_obra/Antonio_Alcaraz.html


Serigrafía de Antonio Alcaraz
Formato 28x38
Obra Gráfica original de Antonio Alcaraz: http://www.artencuentro.com/artistas_obra/Antonio_Alcaraz.html

Exposición 'Carbó i acer, poètica d'una memòria'


Del 2 de Noviembre al 11 de Diciembre de 2012

Galeria Cànem

Antonio Maura, 6. Castelló

Street Art in Lavapies, Madrid - Arte en las calles de Lavapies

Un pequeño recorrido por algunos barrios de Madrid nos permite disfrutar de muchas obras de arte
Corazón roto, artista desconocido, en el Barrio de Lavapies

Otra obra de arte en un muro del Barrio de Lavapies
En el mismo muro encontramos este pavoroso pero genial monstruo, de artista desconocido
Y en un solar que los vecinos han conseguido hacer una plaza, encontramos este genial toro...
Un solar en el que los vecinos han desarrollado obras de arte,
creando un espacio en el que disfrutar del paseo por el Barrio

Lavapies es un ejemplo de mezcla de culturas, que aquí ilustra un artista desconocido
 ,como si nos asomáramos por una ventana a un país lejano y exótico


En esta 'plaza' encontramos hasta esta preciosa pieza de arquitectura urbana 
que podría ser la obra del mejor de los arquitectos
 Está bien ser un turista en tu propia ciudad....
Por: http://www.artencuentro.com