CENOTES de Magdalena Atria en Matadero

Hasta el cinco de enero se puede disfrutar de esta exposición, Cenotes,  de Magdalena Atria en la Sala Matadero de Madrid, Plaza de Legazpi, 8.

Cenotes, Matadero, Madrid

Los cenotes son formaciones geológicas típicas de la Península de Yucatán. La roca caliza es erosionada por los agentes meteorológicos y el agua subterránea, forman pozos que se comunican entre sí.  Comienza siendo una cámara subterránea producida por la disolución de la roca caliza por la infiltración del agua de lluvia; y finalmente, conforme la cavidad va aumentando de tamaño, el cenote puede terminar aflorando a la superficie por colapso de la cúpula -apreciándose desde la superficie como un pozo de forma circular o subcircular-. En el interior, se pueden formar estalactitas y estalacmitas.

 

Fotografía del Cenote Dzitnup, por Mike O'C

Para los Mayas tenían un significado místico, siendo 'fuentes de vida', que proporcionaban el líquido vital. El agua de los 'cenotes' era considerada 'pura', porque no había sido tocada por la luz.

El nombre Maya es Dzonot,que significa pozo profundo, hoyo en el suelo, pozo con agua, abismo -según los diferentes autores- y según estos pobladores de Yucatán, comunicaban el mundo terrenal con el de ultratumba -por lo que en algunos 'celotes' celebraban ritos religiosos con ofrendas.

Magdalena Atria, artista de origen chileno, desarrolla esta obra - intervención se puede inscribir entre la abstracción, Op Art (optical art), psicodelia, geometría de brillantes colores-, empleando plastilina. 

La intervención se ha desarrollado en la antigua 'cámara frigorífica', con la colaborado alumnos de Bellas Artes de la UNED.

Magdalena Atria nació en Santiago de Chile donde actualmente vive y trabaja. Licenciada en Arte por la Universidad Católica de Chile, completó su formación en Parsons School of Design, Nueva York gracias a un beca Fulbright. Su trabajo ha sido expuesto en importantes museos, centros de arte y galerías tanto en Chile como en Estados Unidos,  México, Brasil, Argentina, Ecuador, España, Inglaterra, Francia y Corea del Sur.

UNED - Cenotes. Geometrías de plastilina - 25/10/13

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Luis Gordillo recibe premio de serigrafía, con una edición realizada en el Taller de José Jiménez

El prestigioso artista de origen sevillano afincado en Madrid, Luis Gordillo, recibe el Premio Internacional de Serigrafía Villa de Torre Pacheco por la obra editada en el Taller de José Jiménez (La Ermita).

El Premio Internacional de Serigrafía otorgado al artista, está dotado con 12.000€ ; y fue presentado en la Sede de Obra Social de Caja Murcia en Madrid, en presencia de personalidades relacionadas con arte y cultura de Murcia, Madrid y Gobierno Central.

Entrega del Premio en la Sede de Obra Social de Caja Murcia en Madrid en octubre 2013

 

Obra Gráfica Original en Serigrafía editada cuarenta tintas sobre papel Arches 400gr.

 Esta impresionante obra de grandes dimensiones (160x120 cm), editada a 40 tintas sobre papel Arches de 400gr. fue editada por el artista de la mano del veterano maestro José Jiménez -que lleva desde los años sesenta trabajando con los artistas más prestigiosos del panorama nacional-.

Luis Gordillo (izquierda) y José Jiménez, editor (derecha)

El artista numerando y firmando la serigrafía.

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Eduardo Arroyo y el Festival Cante de las Minas de La Unión

Son ya cinco años realizando una pequeña edición para el Festival del Cante de Las Minas de La Unión.

Cada año un gran artista realiza una obra, que protagonizará el cartel de presentación de esa edición del Festival; y además se edita una pequeña tirada para 'regalo institucional' en una técnica de Obra Gráfica, que será numerada y firmada por el artista.

El Taller, dirigido por el veterano maestro Pepe Jiménez, comenzó en 2009 a editar estas series limitadas, con una obra de Manolo Valdés. Siguió, en 2010 una obra de Martín Chirino. En 2011, fue Pedro Cano el Protagonista. El año pasado, Luis Gordillo; y este 2013, ha sido Eduardo Arroyo el artista invitado a formar parte de esta colección del Festival.

La obra de Eduardo Arroyo representa la cabeza de un cantaor de Flamenco.

Eduardo Arroyo, el protagonista del cartel de esta edición del Festival, nació en Madrid en 1937. 

Considerado uno de los principales representantes de la figuración crítica de contenido político y social -Figuration Narrative según otros-, estudió periodismo y, en 1957, se traslada a París en busca de un espíritu progresista -y allí residió dos décadas-.

 La figuración narrativa es un estilo pictórico y un movimiento artístico aparecido al comienzo de los años 1960 en Francia, en oposición a la abstracción y al Nuevo realismo (nouveau réalisme). Se relaciona generalmente a la figuración narrativa con la nueva figuración o con el pop art. Entre sus fuentes de inspiración se cuenta la historieta, la fotografía y el conjunto de las imágenes de lo cotidiano. Los temas de las obras se relacionan generalmente con las escenas de lo cotidiano y las reivindicaciones sociales o políticas.

En el año 1961 tiene lugar la primera exposición colectiva de Arroyo con el título Nueva Figuración, y al año siguiente, se expone la colectiva de título Nueva Figuración II, con la intervención, entre otros, de Francis Bacon, Matta y Dubuffet.

En 1963 expone en la III Bienal de París, formando parte del grupo L’Abbatoir (el matadero), en la exposición se podía ver un montaje de pinturas y esculturas que conformaban un alegato contra el totalitarismo, la tortura y toda forma de represión física e ideológica.

En 1965 tiene lugar la exposición con el título La figuración narrativa en el arte contemporáneo, donde Arroyo presenta la bomba de relojería titulada El final trágico de Marcel Duchamp. Es una exposición conjunta de Arroyo con Gilles Aillaud y Antonio Recalcati.

 En 1967 exhibió Miró refair ou les malheurs de la coexistence, como crítica al ataque que sufrió Miró, a quien Arroyo admiraba profundamente.

En 1975 Arroyo en invitado a pasar nueve meses en Berlín, pintando en la Academia de Bellas Artes.
 
En 1982 el centro Georges Pompidou, de París, le dedicó una gran exposición retrospectiva y ese mismo año el gobierno español le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas.

 Eduardo Arroyo es sobre todo un artista polifacético. Es autor de varios volúmenes, entre ellos, la biografía Panama Al Brown; el libro de reflexiones Sardinas en aceite; El Trío Calaveras, dedicado a Goya, Walter Benjamin y Byron, y de la pieza de teatro Bantam. Desde 1969 colabora con directores escénicos, especialmente con Klaus Michael Grüber, en la realización de decorados de teatro que proceden de la estética elaborada en la obra plástica.

Arroyo cuenta actualmente con presencia en muchos importantes centros de arte mundiales.
El reconocimiento de su obra se hace patente con el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura (1982) o el título de Caballero de las Artes y las Letras concedido por el gobierno francés y en las numerosas retrospectivas de su obra como las celebradas en la Biblioteca Nacional de Madrid, en el Centro Pompidou de París o la del Museo Guggeheim de Nueva York.

Arroyo y el Retrato, El Pais Cultura

Biografía de Eduardo Arroyo

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Shirin Nestat en Fundacion Telefonica

La artista de origen iraní Shirin Nestat expone su obra en fotografía titulada  'Escrito sobre el cuerpo', como parte del programa PHE 2013, Photo España; que este año lleva el título 'Tu Cuerpo es el Mensaje' -el cuerpo, eros y políticas, el cuerpo como 'campo de batalla, como indica el comisario Gral. de PHE 2013, Gerardo Mosquera-.

'Escrito sobre el cuerpo' fue inaugurada el 6 de junio y puede disfrutarse en la Fundación Telefónica hasta el 1 de septiembre -Calle Gran Vía 28 (entrada por Fuencarral), Madrid-.

Según indica el Comisario de la exposición, Octavio Zaya, se trata de una selección que subraya el velo y los textos sobre el cuerpo -la incripción histórica, el cuerpo como poesía y medio para transmitir.

La exposición, según la artista, tiene un hilo conductor: 'tras cada acontecimiento histórico surge un grupo diferente', mostrando una visión de la historia moderna de Irán; y combinando sus primeros trabajos -fotografía en blanco y negro de la Mujer iraní, tratando temas de identidad y género-, imágenes de la película 'Woman withouth men' -que cuenta pretende relatar historias- y 'The book of kings' -que trata la historia Iraní-.

Shirin Neshat (1957, Qazvin, Irán), vive y trabaja en EE.UU. desde 1974. Ha realizado exposiciones individuales en centros de arte y museos  por todo el mundo, como el Museo de Arte Moderno de México DF, el Contemporary Arts Museum de Houston, el Walker Art Center de Minneapolis, el Espoo Museum of  Modern Art (Finlandia), el Castello di Rivoli en Turín, el Dallas Museum of Art, el Wexner Center de Columbia (Ohio), el Art Institute of Chicago, la Serpentine Gallery de Londres, el MUSAC de León o el Hamburger Bahnhof de Berlín. Neshat también ha participado en la Documenta 11 (2002), la Bienal de Whitney (2000) y en 1999 ganó el León de Oro de la XLVIII Bienal de Venecia. En el 2009 fue galardonada con el León de Plata a la mejor dirección de la Mostra de Venecia por su película Women without Men (Mujeres sin hombres). También ha recibido reconocimientos como el Hiroshima Freedom Prize y el Lillian Gish Prize. En 2008, su exposición individual Mujeres sin hombres inauguró el ARoS Kunstmuseum en Dinamarca, viajó a la Galería Nacional de Arte Contemporáneo en Atenas y abrió el Kulturhuset Stockholm en otoño de ese mismo año. En la actualidad, Shirin Neshat está produciendo su segundo largometraje en torno a la vida y el arte de la legendaria cantante egipcia Umm Kulthum.

Giacometti en Madrid, Fundación Maphre

Del 13 de junio al 4 de Agosto, en la Sala Recoletos de la Fundación Maphre en Madrid, se podrá disfrutar de una extensa colección del artista Suizo Alberto Giacometti.

Sala Recoletos: Paseo de Recoletos, 23
Lunes de 14.00 a 20.00 hrs.
De martes a sábado de 10.00 a 20.00 hrs.
Domingos y festivos de 11.00 a 19.00 hrs.
Entrada Gratuita.

La Exposición 'TERRENOS DE JUEGO', responde a las investigaciones sobre la concepción espacial que el escultor Alberto Giacometti realizó a lo largo de toda su vida.


Alberto Giacometti -Suiza 1901, París 1966-
Artículo en ABC Cultural

La exposición parte de sus desconocidas esculturas surrealistas, concebidas como “tableros de juego”, y donde el artista desarrolla, como en una maqueta, su concepto de “escultura como lugar”, como un terreno de juego entre el arte, la vida y la muerte. Partiendo de estas primeras investigaciones, Giacometti comienza a trabajar en sus creaciones visionarias para plazas monumentales, en las que el espectador queda incluido como una ficha más del juego.

Giacometti es famoso por sus 'hombres y mujeres que caminan' realizados en bronce.

La muestra acaba guiándonos hasta el gran legado artístico de Giacometti, el mundialmente célebre grupo de figuras de tres metros de altura, que diseñó para la explanada del Chase Manhattan Plaza de Nueva York, y entre los que destacan El hombre que camina y la Gran Mujer.



Exposición de Alberto Giacometti en la Sala Recoletos
de la Fundación Maphre en Madrid


La colección comprende 197 obras -de ellas 32 esculturas (algunas de gran formato), pintura, litografías y fotografías del artista por Man Ray, Cartier-Bresson, Robert Doisneau o Ernst Scheidegger-.

Escultor y pintor suizo -nace en Borgonovo (Suiza) en 1901, de una familia de artistas (su padre fue pintor impresionista)-.

Tras terminar la enseñanza secundaria, se trasladó a Ginebra para cursar estudios de pintura, dibujo y escultura en la Escuela de Bellas Artes, y a París, en 1922, para estudiar en la Académie de la Grande Chaumière en Montparnasse -bajo la tutela de un asociado de Rodin,  el escultor Antoine Bourdelle-.

En la capital francesa entró en contacto con el ambiente cubista, y más tarde con el grupo surrealista, del que formó parte de 1930 a 1935. El abandono del surrealismo y la vuelta al arte figurativo constituyen el preludio de la llegada de Giacometti a su estilo más característico, con sus figuras humanas alargadas, muy delgadas y de superficie áspera, que pueden estar representadas solas o en grupo.

"One day when I was drawing a young girl, I suddenly noticed that the only thing that was alive was her gaze. The rest of her head meant no more to me than the skull of a dead man. One does want to sculpt a living person, but what makes him alive is without doubt his gaze... Everything else is only the framework for the gaze." Quoted in Twentieth-Century Artists on Art

Este texto reproduce palabras de Giacometti y en ellas reconoce el valor de 'la mirada' como el elemento que transmite 'vida' en una persona, indicando que todo lo demás es 'simplemente un marco para la mirada'.

Alberto Giacometti fallece en París en 1966, reconocido como uno de los artistas más destacados del Siglo XX.

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Exposición Fotografía Emmet Gowin en Fundacion Mapfre

La Fundación Mapfre acoge la exposición del fotógrafo Emmet Gowin en su sede Azca -General Perón, 40 Madrid- del 29 de Mayo al 1 de septiembre.

El fotógrafo nacido en Virginia (1941) es conocido por los retratos de su familia, de naturaleza y vistas aéreas.

Su mujer, Edith, es la gran protagonista de los retratos - Como dice el Comisario de la exposición, Carlos Gollonet "La retrata obsesivamente a lo largo de toda su carrera. Acaricia con su cámara su cuerpo, su rostro, su pelo, sus ojos... El amor que siente por ella traspasa el objetivo".

Retrato familiar de Emmet Gowin

Otro de sus grandes amores es la naturaleza, que también se cuela en muchas de sus fotografías -con paisajes, vistas aéreas y territorios alterados medioambientalmente...

Plasma en sus fotografías el paso del tiempo, el efecto de las acciones del hombre y los acontecimientos, con la intensidad de quien penetra hasta lo más hondo de lo que tiene ante si.

Ron Mueck at Fondation Cartier Paris

Ron Mueck, born in Australia (Melbourn 1958) and living in London, this artist rarely exhibits in Europe... but now we have the chance to enjoy his artworks at the Fondation Cartier por l'Art in Paris. It started a couple of days ago (April 16th) and it will be running until September 29th.


Fondation Cartier pour l'Art, Paris
Artículo en español '20 minutos' sobre la exposición de Ron Mueck en la Fundación Cartier de París

 Mueck reproduces with 'fidelity' every detail of the human body buy size, with surprising changes of scale, avoiding the portrait.

In this exhibition, six important recent sculptures and three produced especially for this event, plus a new film recording the acti of creation, made for the occasion by Gautier Deblonde.


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